Broken Arm
Der französische Ausdruck »bras cassé« (gebrochener Arm) benennt das Stereotyp des Faulenzers, der sich auf den Stiel seines Werkzeugs, etwa seiner Schaufel stützt, und wahrscheinlich spielt Max Mertens mit seiner Installation Broken Arm ein Stück weit mit eben dieser Ironie; noch präsenter aber ist Marcel Duchamps Schneeschaufel (In Advance of the Broken Arm, 1915), die darauf hindeutet, dass man ohne Schneeschaufel Gefahr läuft, zu stürzen und sich den Arm zu brechen. Und wenn in Max Mertens’ Kreation auch einiger Humor steckt: charakteristischer ist dennoch der Bezug, den sie zur Kindheit und zur Poesie herstellt.
Eigentlich nämlich ist der Plastiker Max Mertens mit seinem Ansatz, sich alle möglichen Gebrauchsgegenstände anzueignen – das berühmte ready-made, das besagter Marcel Duchamp einst initiierte –, ein Geschichtenerzähler und ein Wiederverzauberer.
Geschichtenerzähler, weil der Künstler den Gegenständen, die er zweckentfremdet (etwa den Hammer in Sollbruchstelle, 2020), eine neue Identität gibt, die stets einen anderen Sinn vermittelt, sodass sich aus einer Struktur oder einer Skulptur andere Geschichten herauslesen lassen. Und Wiederverzauberer ist Max Mertens, weil die Philosophie für den Künstler ein Heilmittel gegen die »Entzauberung der Welt« ist. Das in Lorentzweiler vorgestellte Werk spielt mit dem Begriff Simulacrum, wie ihn Derrida untersucht hat. Es handelt sich hier um den äußeren Schein, um das Ersetzen der Wirklichkeit durch ihre Darstellung, durch das Bild – und die Kunst schafft nun einmal Bilder.
Welches Bild aber hinterfragt die narrative Skulptur Broken Arm? Das Bild der Natur. Sogar in einem »Naturreservat«, das ein Refugium sein sollte, ist das Natürliche, das auf die Wildnis verweist, nur Illusion, denn auch dieser Raum wird vom Menschen gestaltet, der ihn formatiert und ihm damit die mystische Aura austreibt, die allem Authentischen, Ursprünglichen anhaftet. Das Trugbild der Natur hat die wahre Natur längst überall ersetzt.
In Broken Arm sehen wir also einen massiven Ast als Trugbild der Natur, der sich ein Tauziehen mit der Technik liefert, die durch die Schaufel symbolisiert wird. Eine seiltänzerische Spannung, um – dank des Zaubers oder der Illusionen der Kunst – das Gleichgewicht zwischen dem Organischen und dem menschlichen Eingriff zu empfinden.
Konkret besteht Broken Arm aus einem fünf Meter langen Kantholz, an dessen einem Ende mit Spanngurten ein Holzscheit und am anderen mehrere Schaufeln befestigt sind. Im Grunde genommen ist es eine Wippe oder Waage, eine minimalistische Struktur – grundlegend für Max’ künstlerischen Ansatz –, die aber genaue Berechnungen erfordert, um den physikalischen Gesetzen zu genügen. Eine Wippe also als Skulptur, die luftig daherkommt und grafisch, die in Bewegung ist, aufwärts und abwärts und schräg, wie der Wind oder der Eingriff des Publikums es will.
In der Interaktion mit dem Publikum und mit dem Wetter wird die Skulptur sich weiterentwickeln, vielleicht beschädigt oder gar zerstört werden. Ihr Kontext wird sich verändern. Dieser Prozess stützt sich auf einen Grundsatz von Jean Tinguely und seine mobilen, kinetischen Skulpturen: Neuerfindung durch Zerstörung oder der Gedanke, das Existierende zu zerlegen, um die Gegenwart zu erweitern und neu zu erdenken.
In seiner Praxis legt Max Mertens es jedenfalls häufig darauf an, Gegenstände in Bewegung zu setzen, mithilfe von Schwingungserzeugern, Elektromotoren oder auch einem Ventilator wie in Air Gap (2012), wo große Ballons, getrieben vom Luftzug, ein großartiges buntes Ballett aufführen.
Gleichzeitig ist die kinetische Skulptur Broken Arm zwangsläufig auch eine Anspielung auf die Wippen auf dem Kinderspielplatz und weckt damit zugleich eine Kindheitserinnerung. Die Kindheit aber ist für Max Mertens ein fester Bezugspunkt; wie bei den 450 bunten Schaukeln seiner Installation Swings (2016), ein spielerisches Kunstwerk hoch in der Luft über der Fußgängerstraße in der Luxemburger Rue Philippe II, das den Passanten eine neue Raumerfahrung anbot und gleichzeitig ihre Phantasie in Gang setzte.
Und schließlich ruft Broken Arm das gesamte Spektrum von Mertens’ kreativem Instrumentarium auf, ohne je die Ästhetik zu opfern – das gilt selbst für den Abnutzungsprozess. Nicht zuletzt werden wir aufgefordert, unsere Entfremdung von der Natur zu reflektieren.
Broken Arm
Un « bras cassé » est une expression qui colle au stéréotype du paresseux appuyé sur le manche de son outil de travail, la pelle, et sans doute qu’il y a une dose de cette ironie-là dans l’installation de Max Mertens, précisément intitulée Broken Arm, sachant toutefois que l’allusion la plus probable, c’est celle de la pelle à neige (oeuvre de 1915) de Marcel Duchamp, signifiant que, sans pelle pour déneiger, on risque de tomber et de se casser le bras. En même temps, si l’humour perfuse la création de Max Mertens, ce qui la caractérise davantage, c’est un raccord à l’enfance et à la poésie.
En fait, le plasticien Max Mertens qui s’inscrit dans une démarche d’appropriation de tout objet usuel – le fameux ready-made initié par le même Marcel Duchamp -, est un conteur et un réenchanteur.
Un conteur dans la mesure où en détournant les objets (cfr le marteau dans Sollbruchtstelle en 2020), l’artiste leur prête des identités nouvelles, toutes porteuses d’un sens autre, donc, d’histoires autres, qui se lisent au travers d’une structure ou sculpture. Et un réenchanteur dans la mesure où pour l’artiste, la philosophie est un remède au « désenchantement du monde ». En l’occurrence, l’œuvre proposée à Lorenzweiler joue avec l’idée du simulacre, concept exploré par Derrida. Ce dont il s’agit, c’est de l’apparence, de ce qui remplace la réalité par sa représentation, par l’image, or l’art est un faiseur d’images.
Et quelle est l’image que questionne Broken Arm, sculpture narrative ? Celle de la nature. Même dans l’exemple de la « réserve naturelle », censée être un sanctuaire, la naturalité, cela qui renvoie au caractère sauvage, n’est qu’un leurre, l’espace restant géré par l’Homme, qui formate, et ce faisant, le purge de l’aura mystique propre à ce qui est authentique, originel. Partout, le simulacre de la nature a déjà remplacé la vraie nature.
Alors, dans Broken Arm, il y a une branche massive, simulacre de nature, qui livre un bras de fer avec la technologie, symbolisée par la pelle. Une tension funambule afin – magie ou mirage de l’art –d’éprouver l’équilibre entre l’organique et l’intervention humaine.
Concrètement, Broken Arm est une pièce de bois de cinq mètres de long, avec, à une extrémité, une bûche suspendue, et à l’autre, plusieurs pelles aussi suspendues, moyennant des sangles. En clair, c’est une bascule, une structure minimaliste – un axiome dans la démarche de Max – mais requérant de savants calculs, lois physiques obligent. Et donc, une bascule conçue comme une sculpture, aérienne, graphique, qui bouge, de haut en bas et de biais, sous l’effet du vent ou de l’action du public.
Interagissant avec le public, tout comme avec les intempéries, la sculpture va évoluer, peut-être s’endommager, voire se détruire. Son contexte va changer. Un processus qui prend appui sur un précepte de Jean Tinguely inspiré de ses sculptures mobiles et cinétiques, à savoir: la réinvention par la destruction, ou l’idée de décomposer ce qui existe, pour élargir le présent et le ré-imaginer.
En tout cas, dans sa pratique, Max Mertens s’emploie souvent à donner du mouvement aux objets, à la faveur de vibreur, de moteur électrique, aussi de ventilateur, comme dans Air Gap (2012), où, propulsés par l’air brassé, de gros ballons divaguent en un sublime ballet multicolore.
Toujours est-il que Broken Arm, sculpture cinétique, fait immanquablement allusion aux jeux de bascule des jardins publics, réveillant du même coup un souvenir d’enfance. Et l’enfance, pour Max Mertens, c’est un point cardinal, à l’exemple des 450 balançoires bigarrées de son installation Swings (2016), une oeuvre d’art ludique tendue dans les airs, au-dessus de la piétonne rue Philippe II, proposant aux quidams une nouvelle expérience de l’espace tout en interpelant leur imaginaire.
Au final, Broken Arm convoque tout le florilège des outils créatifs «mertensiens», sans jamais sacrifier l’esthétique, même dans le processus de l’usure. Et nous invite à réfléchir sur notre aliénation à la nature.
Broken Arm
A ‘broken arm’ is an expression that fits the stereotype of the lazy worker leaning on the handle of their work tool, the shovel. There is surely a dose of that irony in Max Mertens’ installation, pointedly titled Broken Arm. However, the more likely reference is to Marcel Duchamp’s 1915 snow shovel, implying that without a shovel to clear the snow, one risks slipping and breaking an arm. At the same time, although humor runs through Max Mertens’ creations, what characterises his work even more is its deep connection to both childhood and poetry.
Indeed, the plastic artist Max Mertens, who follows an approach based on the appropriation of everyday objects much like the famous ready-made concept initiated by Marcel Duchamp, is both a storyteller and a re-enchanter.
He is a storyteller in the sense that by repurposing objects (as seen, for example, in Sollbruchstelle in 2020, where a hammer was transformed), the artist gives them new identities, each carrying different meanings and therefore new stories that can be read through their structure or sculptural form. He is a re-enchanter because, for Mertens, philosophy offers a remedy against the ‘disenchantment of the world’. In this case, the work he presents in Lorentzweiler plays with the idea of simulacrum, a concept explored by Derrida, where appearance replaces reality through representation and imagery. After all, art is a maker of images.
What image does Broken Arm, a narrative sculpture, question then? It is that of nature itself since even in the example of a ‘nature reserve’, supposedly a sanctuary, wildness, the essence of nature, is an illusion as such spaces are still managed and formatted by humans, stripping them of the mystical aura intrinsic to the truly authentic and original environment. Everywhere, the simulacrum of nature has already replaced its genuine form.
Thus, in Broken Arm, there is a massive branch, a simulacrum of nature engaged in a tug-of-war with technology, symbolised by the shovel. A delicate tension is set up to test the balance between the organic and human intervention.
Concretely, Broken Arm is a five-meter-long piece of wood, with a log suspended from one end and several shovels suspended from the other end by straps. In short, it is a seesaw, a minimalist structure (an axiom in Max Mertens’ practice), yet one that requires precise calculations due to the laws of physics. Thus, the seesaw is conceived as a sculpture; aerial, graphic, moving up and down and tilting under the effect of the wind or public interaction.
Interacting with the public as well as with the elements, the sculpture will evolve, possibly becoming damaged or even destroyed and its context will change. This process echoes the principles of Jean Tinguely, inspired by his kinetic and mobile sculptures, reinvention through destruction or the idea of deconstructing what exists to expand and reimagine the present.
In fact, in his practice, Max Mertens often sets objects into motion, using electric motors, or fans as seen in Air Gap (2012) for example, where large balloons, propelled by circulated air, drift in a sublime multicolored ballet.
In any case, Broken Arm, as a kinetic sculpture, inevitably evokes the playground seesaws of public parks, thereby awakening childhood memories. Childhood is a cardinal point for Max Mertens, as seen in his Swings (2016) installation, featuring 450 colorful swings stretched high above the pedestrian street Rue Philippe II, a playful artwork offering passersby a new spatial experience while stirring their imagination.
Ultimately, Broken Arm draws upon the full range of Max Mertens’ creative tools, without ever sacrificing aesthetics, even in the process of wear and deterioration. It invites us to reflect on our alienation from nature.
Mit „BROKEN ARM“ möchte ich die Frage aufwerfen, ob die dargestellte Natur noch authentisch ist oder nur ein Abbild unserer Vorstellungen – ein „Simulacrum“. Die sechs Meter lange Wippe, auf der ein massiver Ast auf der einen Seite und mehrere Schaufeln auf der anderen ruhen, ist für mich eine Auseinandersetzung mit der Grenze zwischen dem Ursprünglichen und dem Konstruierten. Der Ast steht für die unberührte Natur, doch durch den menschlichen Eingriff in Form der Schaufeln wird sie nicht nur verändert, sondern auch zur Projektionsfläche unserer modernen Vorstellungen. In dieser Spannung zwischen Natur und Technik versuche ich, das Paradoxon aufzuzeigen, dass wir oft glauben, die Natur sei etwas, das wir verstehen und kontrollieren können, obwohl wir uns vielleicht nur in einer illusionären Repräsentation davon bewegen.
Avec « BROKEN ARM », je souhaite soulever la question de savoir si la nature représentée est encore authentique ou si elle n’est qu’un reflet de notre imagination – un « simulacre ». La bascule de six mètres de long, sur laquelle reposent une branche massive d’un côté et plusieurs pelles de l’autre, est pour moi un questionnement sur la frontière entre l’originel et le construit. La branche représente la nature intacte, mais l’intervention humaine sous la forme des pelles la modifie non seulement, mais en fait également une surface de projection de nos idées modernes. Dans cette tension entre nature et technique, j’essaie de mettre en évidence le paradoxe selon lequel nous croyons souvent que la nature est quelque chose que nous pouvons comprendre et contrôler, alors que nous n’évoluons peut-être que dans une représentation illusoire de celle-ci.
With “BROKEN ARM”, I want to raise the question of whether the nature depicted is still authentic or merely a reflection of our imagination – a “simulacrum”. For me, the six-meter-long seesaw, on which a massive branch rests on one side and several shovels on the other, is an exploration of the boundary between the original and the constructed. The branch stands for untouched nature, but the human intervention in the form of the shovels not only changes it, but also turns it into a projection surface for our modern ideas. In this tension between nature and technology, I try to show the paradox that we often believe that nature is something we can understand and control, although we may only be moving in an illusionary representation of it.
Max Mertens, 1982 in Luxemburg geboren, absolvierte das Studium der Kunst und kommunikativen Praxis an der Universität für angewandte Kunst in Wien in der Klasse von Erwin Wurm. Seit 2003 werden seine Arbeiten regelmäßig in Österreich, Deutschland und Luxemburg ausgestellt. 2007 wurde er für den Robert Schuman Kunstpreis nominiert.
In seinen Arbeiten hinterfragt Mertens den zeitgenössischen Skulpturenbegriff, indem er Werke schafft, die sich oft im Laufe der Zeit verändern oder auf ihren Raum einwirken. Durch das Herauslösen von Alltagsgegenständen aus ihrem ursprünglichen Kontext und deren Transformation entstehen neue Identitäten und narrative Strukturen. Mertens integriert partizipative Elemente, die den Betrachter aktiv in den kreativen Prozess einbeziehen. Seine Installationen, an der Schnittstelle von Kunst und Technologie, fördern Interaktion und schaffen emotionale Verbindungen.
Max Mertens lebt und arbeitet in Luxemburg.
Max Mertens, né en 1982 au Luxembourg, a suivi des études d’art et de pratique communicative à l’Université des arts appliqués de Vienne dans la classe d’Erwin Wurm. Depuis 2003, ses travaux sont régulièrement exposés en Autriche, en Allemagne et au Luxembourg. En 2007, il a été nominé pour le prix d’art Robert Schuman.
Dans son travail, Mertens remet en question la notion contemporaine de sculpture en créant des œuvres qui se transforment souvent au fil du temps ou qui agissent sur leur espace. En sortant des objets du quotidien de leur contexte d’origine et en les transformant, il crée de nouvelles identités et structures narratives. Mertens intègre des éléments participatifs qui impliquent activement le spectateur dans le processus créatif. Ses installations, à la croisée de l’art et de la technologie, favorisent l’interaction et créent des liens émotionnels.
Max Mertens vit et travaille à Luxembourg.
Max Mertens, born in Luxembourg in 1982, studied Art and Communicative Practice at the University of Applied Arts in Vienna in Erwin Wurm’s class. Since 2003, his work has regularly been exhibited in Austria, Germany and Luxembourg. In 2007, he was nominated for the Robert Schuman Art Prize.
In his work, Mertens questions the contemporary concept of sculpture by creating pieces that often change over time or interact with their surroundings. By removing everyday objects from their original context and transforming them, new identities and narrative structures emerge. Mertens incorporates participatory elements that actively involve the viewer in the creative process. His installations, situated at the intersection of art and technology, encourage interaction and create emotional connections.
Max Mertens lives and works in Luxembourg.